LA RÉFÉRENCE PHOTOGRAPHIQUE AU CANADA

VOLUME 26, NO. 2 / ÉTÉ 2017 / 6,98 $

PORTFOLIO: GUY SÉGUIN

Visages éphémères MICHEL ROY

Actions de Photoshop WILL PRENTICE

Éclairage de terrain DAVID LIBRACH

Imprimer ou non ? DANIEL DUPONT

L’utilisation de filtres neutres

Photo par Guy Séguin

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Une exposition produite par le Musée de l'Elysée, Lausanne, en collaboration avec les Archives Philippe Halsman, New York. Commissaires : Anne Lacoste et Sam Stourdzé

Philippe Halsman, Marilyn Monroe, 1959. Musée de l’Elysée, Lausanne. Photo : © 2016 Archives Philippe Halsman / Magnum Photos

MNBAQ.ORG

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Collaboration spéciale  I   La magie des... PAR MICHEL ROY

Actions de Photoshop Faire de la magie n’aura jamais été aussi facile – il suffit de suivre quelques étapes faciles et la photo se transforme par magie grâce à des astuces appelées « Actions de Photoshop ». J’aime me voir comme un « magicien de la photo », mais un magicien qui, contrairement à ceux qui ont prêté serment de ne pas dévoiler les astuces du métier, peut partager sa magie créative avec le public, en l’occurrence vous. Des compétences de base de Photoshop sont tout ce dont vous avez besoin et si vous suivez les étapes et prenez le temps de comprendre les Actions de Photoshop, vous pourrez vous aussi faire de la magie de votre côté. Vous pouvez créer, échanger ou trouver des Actions Photoshop gratuites sur Internet, y compris des procédures vraiment géniales ! Oui, parfois, les meilleures idées ne sont pas gratuites, mais quelqu’un a dû trimer fort pour que vous puissiez effectuer ces astuces magiques. C’est donc à

Bio

Michel Roy, de Québec, est propriétaire de Digital Direct Photo & Vidéo, une boîte spécialisée dans une gamme complète de services photo et vidéo allant de la photo corporative à la photo de mariage. Pour une belle aventure visuelle, visitez le site www.digitaldirect.ca

vous de décider si vous voulez essayer une action gratuite ou un truc très cool que vous devez payer quelques dollars pour apprendre. La bonne nouvelle est que la plupart des Actions de Photoshop sont peu coûteuses. Je suis très heureux de partager mon trésor avec vous, visitez ce lien pour trouver des Actions géniales ... si le lien vous amène à une page d’accueil générale, recherchez simplement « Actions Photoshop » pour voir les dernières tendances graphicriver.net/ ?ref=Mikeme Dans Photoshop, une « Action » est une série de tâches que vous appliquez sur un seul fichier ou un lot de fichiers. Vous pouvez créer une action qui modifie la taille d’une image, applique un effet sur l’image, modifie les couleurs, puis vous enregistrez le fichier dans le format que vous préférez, etc. c’est la magie de l’enregistrement de tout mouvement.

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Les Actions de Photoshop sont parfaites tant pour les débutants que les utilisateurs avancés de Photoshop. Effets d’esquisse ou effets explosifs, seule votre imagination fixe les limites. Vous pouvez créer des effets étonnants d’un simple clic ! En s’attardant sur quelques astuces de base, vous pourrez réaliser un travail professionnel sans sueur. Les Actions de Photoshop ne sont pas limitées à la photographie. Elles peuvent transformer du texte, créer des effets spéciaux, générer des animations incroyables ou produire de beaux fonds et bien plus encore ! Plongeons dans un résumé rapide des fonctionnalités de base des Actions de Photoshop. La plupart du temps, les Actions sont celles que nous désignons sous le titre Édition non destructive. Cela signifie que la photo ou l’élément d’origine reste intact, tandis que Photoshop fait tout son travail. Lorsque vous trouvez une action bien construite, le résultat sera établi sur plusieurs calques dans Photoshop, donc facile à corriger et à ajuster à votre goût par la suite.

Veuillez lire les instructions qui accompagnent les Actions pour les utiliser correctement et facilement. Toutes les Actions n’ont pas la même formule, n’oubliez pas qu’elles sont enregistrées par des individus, de sorte que les créateurs décident de la manière dont l’Action fonctionnera. Les nouvelles astuces que vous pouvez acheter sont étonnantes. Gardez à l’esprit que parfois vous devez également remplacer les brosses et pinceaux ou ajouter de la texture, mais c’est une tâche facile. Suivez simplement les étapes simples dans les instructions qui accompagnent l’Action. Je dirais que la technique d’utilisation des Actions de Photoshop présente un niveau de difficulté « Moyen ». La plupart des Actions que vous trouverez ne fonctionnent que dans la langue anglaise, mais certaines travaillent en français aussi. Lisez attentivement les instructions et faites toujours une copie de votre fichier image d’origine et travaillez sur la copie, de cette façon, vous ne perdrez jamais la photo originale. ​Vous pouvez personnaliser l’effet ensuite parce que tout est organisé en différentes couches sur différents calques. Comme je l’ai déjà dit, aucune des Actions n’a été construite de la même façon, alors avant de dire que cela ne fonctionne pas, prenez le temps de lire les instructions qui accompagnent chaque Action. Oui, c’est magique, mais tous les magiciens doivent pratiquer leurs tours pour les rendre parfaits. Alors prenez le temps de maîtriser cet outil, c’est un vrai plaisir à voir lorsque vous l’utilisez correctement ! J’espère que ce tour de magie vous incitera à transformer des photos en images spectaculaires. Faites-moi plaisir en partageant certains de vos résultats sur notre page Flickr® PHOTO News - Recherchez le fil de discussion - Photoshop Magic - Je serai ravi de voir le travail incroyable que vous allez créer !

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Flux de travail typique pour les actions de Photoshop 1. Chargez l’image que vous souhaitez utiliser. 2. Assurez-vous que l’image est de 8 bits ; l’image doit être plate. 3.  Créez un nouveau calque et nommez-le : brush

Étape 1

Étape 2

4.  Sélectionnez l’outil Pinceau et appliquez sur les zones de l’image (sur le nouveau calque appelé brush) Vous voulez généralement que l’effet s’applique à cette zone, mais pour certains effets, c’est la zone où vous ne voulez pas que les effets s’appliquent.

9.   Sélectionnez la couche appelée « Brush ».

5. La couche d’image de fond doit être un calque verrouillé. Habituellement, la taille d’image recommandée est d’environ 2000-3000px sur le bord long. 6. Assurez-vous que l’option « Ajouter une copie à des couches et des groupes copiés » est sélectionnée dans le menu d’option du panneau de calque. Voir la photo ‘Étape 1’ 7.  Remarque  : En général, une petite image produira des effets plus importants tandis qu’une grande image rendra les effets plus petits. 8. Chargez l’Action dans le panneau d’action de Photoshop.

10. Exécutez votre action en sélectionnant l’Action et en cliquant sur Play dans le panneau Actions.

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Portfolio | Guy Séguin

Visages éphémères PHOTO News est heureuse de présenter Guy Séguin, alias Guzzz, Montréalais d’origine, à présenter une sélection d’images de son projet « Visages éphémères ».

Nous avons été attirés par ses images en raison du mariage créatif entre l’art et la photographie et avons rapidement découvert que Guy Séguin était un artiste bien avant de devenir photographe. Comme il l’explique, c’est en explorant ces deux techniques qu’est né le concept du projet Visages éphémères. Lorsque Guzzz conçoit l’image, le modèle devient le canevas. Il n’utilise que des produits non-toxiques : peinture, papier, poudre, sable, pâte à modeler et autres, pour créer des images fortes et uniques qui lui permettent d’exprimer le geste de façon intuitive. Le dessin et la photographie ont été les éléments déclencheurs. Aujourd’hui les mouvements des Automatistes et des Expressionnistes abstraits inspirent son travail. Ses connaissances acquises en scénographie et en technologies d’imagerie numérique et du langage dans l’image, le tout lié à son travail de Directeur de la formation pour Sony Canada pendant plus de vingt ans, se sont avérés des éléments importants dans l’évolution de ses réalisations. Maintenant, l’heure est à la créativité artistique. De dire Guzzz : « Depuis toujours, je suis fasciné par le regard que porte l’être humain sur son apparence. » Il travaille depuis plus deux ans sur le projet ‘Visages éphémères’, un processus de peinture corporelle lié au moment précis d’une séance photographique en studio. » À son studio ou ailleurs, l’installation est similaire, d’un côté, la bâche montée sur trépieds pour peindre et, de l’autre, l’espace photographique afin de pouvoir saisir rapidement le processus de création tout au long de la séance. Ici, les pinceaux, les gouaches et les autres médiums, là, les flashs AlienBees montés soit avec parapluie, boîte de diffusion ou réflecteur selon l’effet souhaité. Guzzz est demeuré fidèle, il utilise un boîtier ultra-léger plein cadre de Sony. « En combinant les deux modes de création du corps transformé en canevas, et les sessions photo, le projet a évolué. Cette richesse particulière des couleurs et des textures évoque inévitablement des émotions. Aujourd’hui, j’alimente les nouvelles formes qui apparaissent l’une après l’autre pendant la performance. Dans ce moment de partage, je suis littéralement transporté. Le projet Visages éphémères révèle l’artiste que je suis. La conjonction des talents est parfaite, et combine finalement la conscience du mouvement, le jeu des ombres et des lumières et l’émotion du moment... le point culminant. » Rapidement, ses œuvres se font repérer sur les réseaux sociaux. Si bien qu’il a reçu une invitation de la célèbre SNBA (Société nationale des beaux-arts) de Paris afin de les exposer lors du Salon des Beaux Arts 2017, qui se tiendra au Carrousel du Louvre à Paris en décembre prochain. Puis les expositions s’enchaînent. Au Québec en premier, aux Îles de la Madeleine et à Montréal, puis en Europe, à Cannes et à Bruxelles. Une année de rêve s’offre à lui… Vous pouvez l’encourager en contribuant à sa collecte de fonds sur gofundme.com/guzzz

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Julie Pelletier

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Carolyn Lacasse et Mynh Ly

L'approche artistique « ‘Visages éphémères’ est une approche entrelacée de divers moments créatifs. Les résultats du processus de peinture corporelle sont liés au moment précis d’une séance photographique en studio où le canevas, mon modèle, est encouragé à bouger, à entrevoir, à révéler et plus encore. Plus qu’un corps humain dépouillé de ses artifices, le canevas a une âme, un passé, un futur et l’expérience nous amène à contacter son présent. À partir de ce moment, nous tissons dans la joie et partageons peines, peurs, désirs... » « L’expérience prend une forme que j’appelle ‘face’ comme un regard sur soi, une facette ou un reflet égocentrique du moment. L’éphémère du moment, ce moment de liberté sublime, de laisser-aller, révèle un caractère unique – tantôt triste, sombre et mystérieux, tantôt lumineux, joyeux et radieux. » « L’instant suivant, l’impression entre furtivement dans la mémoire... et a été immortalisée sur film. Chaque performance est une symbiose entre l’artiste et son modèle. C’est seulement entre ce duo que l’image est créée. Une porte s’ouvre de l’autre côté, me permettant d’explorer l’âme intérieure de l’être humain de l’extérieur où les réactions révèlent un côté sombre ou la lumière. L’aspect unique et éphémère de chaque travail génère encore plus d’intérêt à figer certains de ces moments singuliers sur film. » « Le regard, le geste ne cessent de changer à tout instant. Toute décision, toute direction du travail, est immédiate et consensuelle. Capturer chaque moment sur un cliché devient un travail en soi. ‘Visages éphémères’ est inspiré des rituels de différentes cultures, tout en étant résolument d’actualité, parce que plus que jamais l’être humain porte attention à l’image qu’il projette. »

Où peut-on voir ses œuvres... Galerie d’art La Méduse 29 juin au 6 août 2017 Hâvre Aux Maisons, Îles de la Madeleine Vernissage : 29 juin Café de la Grave 9 au 27 août 2017 Hâvre Aubert, Îles de la Madeleine Vernissage : 9 août Salon des Artistes du Monde 22 au 25 septembre 2017 Salon du Vieux-Port, Gare Marine, Cannes Le Livart– Montréal 25 octobre au 5 novembre 2017 Galerie Le Livart, Montréal Vernissage : 29 octobre 2017 Meltin’ Art Spot 10 novembre au 4 décembre 2017 Espace Art Gallery, Bruxelles Salon des Beaux-Arts 8 au11 décembre 2017 Salle du Carrousel du Louvre, Paris Galerie d’art Espace-Solo Août 2018 (dates à préciser) Cap-Aux -Meules, Îles de la Madeleine

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IMPRESSION 101

PAR DAVID LIBRACH

Imprimer ou non ? Voici une réponse. Il n’y a pas si longtemps, l’idée de ne pas imprimer une photo aurait été ridicule. Aujourd’hui cependant, l’idée d’imprimer une photo semble archaïque et inutile.

Bio David Librach est un photographe passionné par l'impression qui aide les photographes à explorer les aspects techniques et créatifs de la photographie.

Alors qu’un tirage photo sur papier était la seule façon de partager avec d’autres les brefs instants capturés par le déclenchement de l’obturateur, aujourd’hui nous pouvons instantanément partager ces moments avec notre monde et le monde entier simplement en appuyant sur la touche ‘Envoyer’. Nul besoin d’attendre des jours voire des semaines après nos vacances ou fêtes familiales pour faire développer et traiter notre film pour enfin voir ce que nos appareils avaient saisi. C’est maintenant une question de secondes pour que le monde entier puisse visionner ces instants avec nous. Qu’est-ce que tout cela signifie alors pour le tirage photo sur papier ou l’impression des images si vous préférez ? La technologie numérique a-t-elle remplacé la photo (épreuves photo comme on les appelait souvent) de la même façon que l’automobile a remplacé le cheval et le buggy ? Devrions-nous placer nos imprimantes près du VCR lors de notre prochaine vente de garage ? Pour moi, la réponse aux deux dernières questions est un ‘Non’ bien senti ! En fait, je crois qu’il est plus important que jamais de continuer à imprimer nos images et voici mes raisons. Imprimer est la meilleure façon de préserver votre héritage photographique Alors que tous les médias peuvent et vont se dégrader avec le temps, une impression jet d’encre aujourd’hui sur pa-

pier photographique de qualité (comme ceux d’Ilford Galerie ou Hahnemuehle) et avec une imprimante/encre moderne, pourra durer jusqu’à 200 ans selon les estimations si elle conservée correctement. Cela veut dire que les petits-enfants de vos petits-enfants auront encore le plaisir de visionner vos images. On ne peut pas dire la même chose d’un fichier numérique. Ce n’est pas une question de savoir ‘si’ un disque dur, un DVD ou une carte-mémoire va se corrompre ou cesser de fonctionner, mais bien ‘quand’ ils le feront. Même si vous êtes le gagnant chanceux à la loterie qui n’a jamais au grand jamais connu de panne électronique, qui peut garantir que la technologie d’aujourd’hui existera pour la prochaine génération et qu’il sera possible de lire les fichiers numériques ? On se rappelle tous des cassettes 8 pistes ou plus récemment des disques Laser ! Qui peut encore les faire jouer ? On peut argumenter qu’une photo (tirage papier) peut aussi être perdue, dégradée ou détruite dans un feu. Exactement la même chose peut être dite de tous les différents médias d’archivage des fichiers numériques. Même une image stockée sur un ‘nuage’ est encore sur un serveur quelque part dans le monde et est exposée aux mêmes désastres environnementaux qu’une photo. Les photos existent dans le monde physique sans dépendance à une technologie pour être visionnées. À quoi bon un fichier numérique lorsque l’on ne peut l’ouvrir ? Tout ce dont on aura toujours pour regarder une photo est un œil… ou deux. Imprimer fait de vous un meilleur photographe Je pense que j’ai un bon œil vif lorsque vient le temps de trier des photos. En moins d’une minute, je peux regarder des centaines de photos sur mon ordinateur et supprimer toutes celles d’une séance qui sont floues ou mal exposées. Je n’apprends vraiment rien de cet exercice (si ce n’est de réaliser que j’aimerais un plus grand écran). J’efface simplement mes erreurs de mon champ de vision. Même lorsque je commence à sélectionner les quelques-unes qui seront conservées, je ne fais qu’ajuster et réarranger les ingrédients crus qui ont été captés par mon appareil. En aucun temps, je ne gagne une meilleure compréhension de comment faire une plus belle photo.

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Lorsque nous imprimons, affichons et vivons avec une image pendant quelques jours ou semaines, nous pouvons vraiment comprendre comment les divers ingrédients en sont arrivés ensemble à créer le produit fini. Ce n’est qu’avec une image physique et sur une période de temps que nous pouvons apprécier et comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. D’une photo imprimée, on peut apprendre comment la composition ou l’éclairage ont aidé à transmettre nos intentions de même que ce qui aurait avantage à être modifié ou répété lors d’une prochaine sortie. Ce sont des choses qu’en tant que photographe, on doit savoir avant de prendre une photo. C’est ce qui nous rend en bout de ligne de meilleurs photographes. Il est impossible de faire cela dans le court laps de temps que nous prenons à regarder une image sur notre écran d’ordinateur, même après les retouches et le téléversement sur Internet. Avec une photo, vous êtes en plein contrôle de l’expérience de vos spectateurs Lorsque vous expédiez par courriel des photos aux parents et amis ou les partager avec quelqu’un sur votre réseau préféré, vous êtes à la merci de la technologie utilisée par chaque personne de l’auditoire. Regardent-ils votre photo sur un écran 5 ” de cellulaire ou celui d’un portable de 12” ? Sur un écran de 27” ou encore une télé de 55” ? Leur écran est-il calibré ? Et qu’en est-il du vôtre ? Quelle est la résolution ? Quelle étendue de la page dynamique peut être affichée ? Les réponses à ces questions ont toutes une chose en commun... le photographe ne pourra jamais vraiment contrôler l’expérience du visionnement. Par contre, avec une photo imprimée, vous êtes à 100 % aux commandes du média sur lequel l’image est vue (i.e. fini papier) ; les couleurs que le public voit et le format sur lequel il partage l’expérience. Vous pouvez aussi contrôler l’éclairage ambiant là ou la photo est vue, ce qui agrémente l’expérience. Cela permet à toutes les personnes de l’auditoire d’être au même niveau et les dégage de toute influence externe. Ils peuvent alors à ce moment s’immerger dans l’image et son contenu visuel et émotionnel. Du point de vue du photographe, cette liberté et ce degré de contrôle seraient impossibles à atteindre avec un fichier numérique. Les photos sont les enregistrements de nos souvenirs et de nos émotions Ma passion pour la photographie est directement liée à mon père. Il prenait sans cesse des photos et pas seulement aux fêtes familiales. Il apportait des rouleaux et des rouleaux de films dans ses nombreux voyages afin de photographier et partager la flore et la faune et les paysages qu’il rencontrait.

Mon père est décédé il y a quelques années. Peu de temps après, nous avons décidé de vendre le chalet familial. C’est en nettoyant le grenier que j’ai trouvé des boîtes et des boîtes non seulement des photos qu’il avait prises, mais aussi de lui au cours de sa vie qui avaient été prises par d’autres. J’ai vite été rempli de vives émotions en parcourant physiquement chaque photo. Je revivais les instants qui avaient été oubliés il y a longtemps. Plusieurs de ces photos m’ont fait sourire en me rappelant les bons moments qu’elles illustraient. Je vais chérir ces photos toute ma vie et je vais continuer de les garder et de les entreposer pour mes enfants. Mon père a été prompt à passer au numérique, alors j’ai eu la tâche de passer à travers ses images stockées sur son ordinateur ainsi que sur des douzaines de disques durs, cartes-mémoire et clés USB. Même si ces images représentaient aussi autant de bons moments, je n’ai pas éprouvé la même émotion en les faisant défiler. Il y avait une certaine froideur ou plutôt distance. Il est rare que je me sois attardé plus que quelques secondes sur une image. Il y avait déconnexion avec les images numériques. Ce n’était pas parce qu’elles avaient été prises avec un appareil numérique mais plutôt en raison de la façon dont elles avaient été stockées et de la façon de les regarder. Imprimées, je n’ai aucun doute que mon expérience aurait été similaire à celle éprouvée avec les boîtes de photos et les albums dans le grenier. Je n’effacerai jamais ces fichiers numériques, mais elles sont davantage un cadeau-souvenir. Les photos du grenier sont mes vrais souvenirs. Voilà quelques-unes des raisons pourquoi les photos ou impressions physiques sont essentielles à la photographie. Même si une seule de ces raisons trouve un écho auprès de vous, ce devrait être suffisant pour vous convaincre de continuer (ou de commencer) à imprimer – même dans l’environnement numérique actuel. Créer de beaux tirages photo devrait être votre objectif après avoir saisi des tranches de vie importantes.

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FLASH 101  |  ÉCLAIRAGE DE TERRAIN

PAR WILL PRENTICE

Matériel pour tous les budgets Comment transporter un studio sur le terrain ! Tout comme pour un studio maison, le matériel d’éclairage sur la route peut représenter ce que vous pouvez entasser dans votre sac ou autant que votre mulet peut en transporter. Si vous êtes capable de photographier près de l’endroit où vous stationnez, votre choix d’équipement sera différent de ce vous apporterez si l’assignation comprend une randonnée pédestre ou à vélo pour vous rendre. Voyons ce qui est offert pour les deux options.

Bio Will Prentice est un portraitiste et un photographe de nature. Il aime partager ses connaissances et quelques rires dans les clubs photo à travers le Canada. Il agit aussi à titre d'hôte de PHOTO News TV sur YouTube. Pour en apprendre plus sur lui, visitez www. capturaphoto.ca

Si je dois voyager léger jusqu’à l’endroit de la séance, je transporte des flashs tels que le Cactus RF60X. Il est léger (puisqu’il intègre l’émetteur-récepteur, il y a moins de matériel), relativement puissant et simple à opérer avec l’émetteur Cactus V6II. Comme nous en avons discuté, le contrôle du flash sans fil par infrarouge des fabricants d’appareil peut être très restrictif quant à la distance et l’endroit où l’on peut placer le flash. Le matériel Cactus fonctionne par ondes radio de sorte que vous pouvez placer les flashs derrière les arbres et jusqu’à environ 100 m. Je peux aussi ajuster la puissance de mes flashs à distance, ce qui m’évite bien du ‘marchage’. J’utilise rarement les flashs seuls – Metz, LumiQuest et Aurora Lite Bank offrent un grand choix de modificateurs de lumière pour divers besoins et c’est ce que j’apporte sur le terrain - du Pocket Bouncer qui se glisse dans la poche aux Mini boîtes lumineuses Metz qui se plient à plat jusqu’au Aurora Firefly Duet – une boîte octogone de 75 cm qui permet d’utiliser deux flashs. Mon modificateur préféré pour le portrait sur place est une octabox. J’aime les sources de lumière (catchlights) arrondies qui offrent une lumière spéculaire et qui contrôlent et jouent sur les ombres. Tout comme en studio, une octabox est pratiquement idéale pour la photo à l’extérieur. J’utilise d’autres formes pour la lumière d’appoint et les accents lumineux. Les flashs s’utilisent pour la majorité des assignations sur le terrain comme la photo d’action sur cette page. Je voulais geler le mouvement, ce qui signifiait garder la puissance du flash faible et de courte durée. Selon la distance appareil/ source de lumière, f/5.6 était l’ouverture parfaite pour garder la mise au point ‘in the pocket’ ; 640 ISO et vitesse de 1/125 s per-

mettaient l’effet désiré et j’ai exposé pour les feuilles vertes en m’assurant que les parcelles de ciel ne seraient pas brûlées. Mon Aurora Firefly Duet avec deux flashs Cactus RF60s était placé à la gauche de l’appareil, derrière l’arbre à environ 2 m de haut. À partir de l’appareil, j’ai ajusté les réglages de puissance des flashs (les deux réglés à la même puissance) à 1/32 – suffisamment rapide pour éclairer et figer le conducteur. Un troisième RF-60 avec une LumiQuest Softbox III était placé à la droite de l’appareil à une distance de 10’ et réglé lui aussi à 1/32 pour une lumière d’appoint douce. Il est très important de se rappeler que lors de l’emploi de plusieurs flashs pour figer l’action, vos réglages de puissance doivent être les mêmes. Le Tableau A montre comment la puissance du flash influence sa capacité de geler l’action ou de créer un flou. Il existe plusieurs façons d’ajuster la lumière sans affecter la courbe du flash : pour moins de lumière sur le sujet, reculez votre flash ou ajoutez des filtres de densité neutre ou un diffuseur ; pour plus de lumière, ajoutez un autre flash ou enlever tout diffuseur.

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Qu’en est-il si l’emplacement retenu est accessible par auto ou courte marche ? Qu’arrive-t-il si vous avez besoin de plus de lumière ? Auparavant, j’utilisais un bloc-pile portable avec un Onduleur à onde sinusoïdale pure pour alimenter mes strobes de studio. Les seuls onduleurs recommandés avec les strobes de studio sont à régulation ‘en continu’ ou ‘pure sine wave’ – la sortie des prises CA est parfaitement douce (Tableau B) – contrairement aux convertisseurs moins onéreux où le courant à la sortie est ‘à paliers’, ce qui peut causer un mauvais fonctionnement de vos strobes en raison d’un courant irrégulier. Si vous considérez apporter des améliorations à votre studio et/ou avez besoin de plus de puissance qu’un flash peut fournir, Broncolor a ce qu’il vous faut. Le Siros L de Broncolor est un strobe de studio (mieux connu sous le vocable monolight ou monoblock) alimenté par batterie lithium et disponible en versions 400 W et 800 W. Offrant une autonomie de 400 et 200 éclairs pleine puissance par charge, on peut facilement photographier toute la journée sur une seule batterie puisque l’on n’aura que rarement besoin de la pleine puissance. Pour encore plus de puissance, Broncolor offre aussi le Move 1200L – un ensemble batterie et tête de 1200 W. On peut utiliser une tête jusqu’à 230 pops pleine puissance ou ajouter une seconde tête et diviser le courant à notre guise. Le Move procure l’équivalent de 5 stops plus de lumière que le flash le plus puissant ! Siros L et Move L intègrent tous deux la technologie HS – la capacité d’utiliser des vitesses d’obturation jusqu’à 1/8000 s avec certains appareils. On n’est donc plus limité par la vitesse d’obturation et la redoutée ‘bande noire’ au bas des images ! J’ai photographié une session de maternité à l’aide du Siros 800L et de la Beautybox 65. Avec mon adolescent comme assistant et support humain de l’éclairage, j’ai pu placer le Siros L dans une partie plus sombre de la forêt. Je voulais une qualité d’image comme dans un rêve, alors j’ai réglé mon objectif Tamron 85 mm à l’ouverture maximale de f/1.8. Avec mon posemètre Gossen réglé à f/1.8 et 64 ISO, j’ai mesuré la lumière du soleil tombant au dos de l’arbre et d’Angela, mon sujet. Et avec le Siros 800L à 1/4 de sa puissance, j’ai été en mesure d’éclairer Angela parfaitement tout en utilisant la lumière du soleil pour des accents lumineux. Pour le portrait de Melissa, j’ai utilisé le Move 1200L avec deux têtes – une lumière principale via une Octabox de 75 cm et une boîte lumineuse 90 x 120 comme lumière d’appoint. Puisque Melissa est déjà grande et était sur une table, les lampes étaient à près de 3 m du sol. Les têtes MobiLED qui sont vendues avec le Move sont suffisamment légères pour être positionnées à cette hauteur. J’ai mesuré le ciel bleu (1/250 s, f/4.5, 400 ISO et j’ai ajusté la puissance de la batterie Move pour correspondre à ces réglages au moyen de mon flashmètre Gossen. Les flashs (Speedlights) sont portables et relativement abordables ; les strobes alimentés par batterie sont beaucoup plus onéreux, mais beaucoup plus puissants. Je possède une collection de flashs, mais je loue souvent les strobes lorsque j’ai besoin de plus de puissance. Demandez à votre détaillant préféré s’il loue les systèmes Siros L et Move L !

Courez la chance de gagner du beau matériel...

Partagez vos portraits à l’extérieur sur la page Facebook de PHOTO News en y ajoutant un diagramme de l’éclairage dans les commentaires. Toutes les entrées seront admissibles à un tirage pour un ensemble de studio mobile d’excellents accessoires ! Envoyez vos questions et j’y répondrai dans un prochain numéro. Réflecteurs et diffuseurs seront le sujet du prochain numéro. Intéressant de voir comment les formes et la taille influencent les images.

Êtes-vous assuré ? Et êtes-vous couverts ? L’assurance auto est obligatoire ainsi que l’assurance maison ; l’assurance-santé et l’assurance médicaments sont offertes par le gouvernement provincial. Certains ont une assurance-maladie pour leur animal de compagnie. Qu’en est-il de l’assurance pour votre équipement photographique ? Qu’arrivera-t-il si votre modèle trébuche sur un câble et se casse une jambe ? Ou pire, si votre maison ‘passe au feu’ et que votre équipement est toasté ? L’assurance est là pour procurer une protection avant qu’un malheur n’arrive. Si vous échappez votre appareil dans l’eau, avec une bonne assurance, vous serez en mesure de le faire remplacer. Certains assureurs auto et maison offrent aussi une assurance Affaires. Il y a des compagnies au Canada qui offrent une assurance destinée aux photographes. Il existe deux types de protection que vous devriez avoir : responsabilité civile au cas où quelque chose arrive aux gens et assurance pour votre équipement. Présumons que votre assureur sait que vous avez un studio à la maison et un bureau d’affaires. Et il vaut mieux qu’il le sache, dans plusieurs cas... Scénario 1 : Un tube flash explose et blesse quelqu’un. Si vous êtes bien assuré, la personne blessée sera couverte par votre assurance. Si vous n’êtes pas assuré, vous pourriez être poursuivi pour perte de travail, frais de santé étendus et autres coûts. Scénario 2 : Un strobe dans votre studio à la maison prend feu et endommage votre maison. Votre assurance maison devrait vous protéger, mais le paiement pourra être retardé selon les circonstances. Assurez-vous aussi que votre équipement est homologué au Canada pour éviter les problèmes.



80  PHOTO News PHOTO News Daniel Dupont | Technique

COLLABORATION SPÉCIALE  |  TECHNIQUE PAR DANIEL DUPONT

L’utilisation de filtres neutres Un fort pourcentage de photographes amateurs s’intéressera éventuellement à la photographie de paysages. Si, tout comme moi, vous préférez réaliser des images au point dès la prise de vue plutôt que de passer de longues heures en post-traitement, voici une technique qui pourrait vous y aider.

Filtres neutres

J’utilise des filtres neutres et des filtres neutres graduels depuis plusieurs années et cela me permet d’être plus créatif. Le filtre neutre placé devant votre optique diminue l’entrée de lumière et permet l’emploi de vitesses plus lentes afin de créer un filé.

Ces filtres se déclinent en deux genres : les circulaires que vous vissez devant l’objectif et qui sont généralement moins onéreux et les modèles carrés. Ceux-ci requièrent idéalement un porte-filtre et sont facilement combinables avec des filtres neutres graduels.

Bio Daniel Dupont est photographe professionnel spécialisé en photo de nature. Il a enseigné la photo dans un cégep de Québec pendant près de 25 ans. Il est l’auteur de sept ouvrages, dont trois livres techniques. Il anime de nombreux ateliers en Amérique du Nord et en Afrique du Sud. Pour consulter son travail : www. danieldupont.ca

Nuage de Yellowstone – J’ai aperçu ce ciel menaçant lors d’un atelier à Yellowstone. J’ai par la suite cherché un premier plan intéressant et, en me positionnant pour inclure le sentier, j’ai remarqué la différence de luminosité entre le ciel et le sol. L’emploi d’un filtre neutre graduel de -2 IL m’a permis de bien rendre cette scène. Sans filtre neutre graduel, j’aurais dû choisir entre le rendu du sol ou du ciel, ou encore choisir un intermédiaire entre le deux. Cela aurait créé une image terne et sans grand intérêt. 24-70 mm f/2,8 II @ 47 mm ; 1/6 s, f/22, 100 ISO, filtre neutre graduel -2 IL Soft, trépied Vanguard Alta pro 283 CT, tête SBH-100, télécommande et niveau. Filtre neutre et graduel

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Donjon Lorsque j’ai aperçu ces rochers isolés, sur la côte de Terre-Neuve, j’ai réalisé l’intérêt d’employer un filtre neutre afin de créer un effet de filé dans l’eau. L’iceberg en arrièreplan ajoute aussi une touche artistique, mais le mouvement de l’eau est l’élément le plus important de cette photo. 70-200 mm f/2,8 II @ 200 mm ; 5 s, f/22, 100 ISO , filtre neutre (-3 IL), trépied Vanguard Alta pro 283 CT, tête TBH-100, télécommande et niveau.

L’opacité

Les filtres neutres sont disponibles en différentes opacités, les plus translucides réduiront la lumière d’un stop (on voit aussi cran ou IL pour Indice de lumière qui correspond à EV en anglais), tandis que les plus opaques diminueront l’entrée de lumière de 10 stops. Il est aussi possible de faire l’achat d’un filtre variable d’un à dix stops. En le tournant, vous augmentez ou diminuez l’opacité. Malheureusement, les compagnies ont des nomenclatures différentes en ce qui concerne le niveau d’opacité de leurs filtres. L’important est de savoir combien de stops de réduction de lumière ceux-ci appliqueront à vos images.

Filtre neutre graduel

L’intérêt des filtres neutres graduels est de n’affecter qu’une partie de l’image. Je les utilise généralement afin d’équilibrer la différence de luminosité entre le ciel et le sol. Cela me permet d’éviter de longues heures de post-traitement. Lorsque les blancs sont fortement brûlés, il n’y a pas vraiment de possibilité de les récupérer.

La première photo a été réalisée sans filtre neutre graduel. J’ai réglé l’exposition pour le sol et le ciel est complètement surexposé. 24-70 mm f/2,8 II @ 47 mm ; 1/6 s, f/22, 100 ISO, trépied Vanguard Alta pro 283 CT, tête SBH-100, télécommande et niveau.

Après l’analyse de la première photo, j’ai évalué que la différence de luminosité entre le sol et le ciel était d’au moins 3 crans. J’ai donc réalisé une seconde photo et après analyse, je trouvais le ciel encore surexposé. Ne possédant pas encore de filtre neutre graduel diminuant la lumière de 4 crans, j’ai combiné deux filtres : -2 IL Soft et -2 IL Hard. Suite à cette photo, j’ai fait l’achat de filtres – 4 IL Soft et Hard. 24-70 mm f/2,8 II @ 47 mm ; 1/6 s, f/22, 100 ISO , filtre neutre graduel -2 IL Soft et -2 IL Hard, trépied Vanguard Alta pro 283 CT, tête SBH-100, télécommande et niveau.

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Daniel Dupont | Technique

Transition des filtres

Les filtres neutres graduels se déclinent en deux types de transition, douce (Soft) et directe (Hard). La transition douce est utile lorsque la ligne d’horizon n’est pas régulière, comme au-dessus d’une forêt. La transition directe est utile lorsque la ligne d’horizon est tranchée comme au-dessus d’un lac ou de la mer. Les filtres neutres graduels sont disponibles en deux transitions et en quatre puissances : -1 IL, -2 IL, -3 IL et -4 IL.

Pour en savoir plus…

Porte-filtre

Voyez la gamme complète des filtres à densité neutre sur www.kenko-global.ca

L’idéal pour moi est d’employer des filtres neutres graduels de format rectangulaire (100 mm x 150 mm) combinés avec un porte-filtre. Celui-ci permet de bien positionner le filtre afin d’agir à un endroit précis.

Les filtres de densité neutre sont offerts en différents niveaux d'opacité (certains sont à densité variable) et peuvent réduire l'exposition de 2 à 10 f/stops. Ils se vissent au bout de l'objectif ou se glissent dans un porte-filtres. Kenko offre les filtres REALPRO ND et Variable NDX qui couvrent pratiquement toutes les situations photo et vidéo.

Utilisation de l’écran arrière

J’utilise généralement l’écran arrière avec vue en temps réel (Live view) pour positionner le filtre. Le viseur traditionnel me semble trop étroit, tandis que le moniteur plus grand facilite le positionnement précis du filtre.

Utilisation du trépied

L’emploi de filtres neutres nécessite évidemment l’utilisation d’un bon trépied. Personnellement, j’utilise le Vanguard 283 CT et une tête TBH 100. Si votre trépied n’est pas suffisamment stable, vos images pourraient montrer un léger flou de bougé.

Mode d’exposition

Afin d’avoir un contrôle précis sur le réglage de la lumière, je photographie toujours en mode Manuel. J’ajuste généralement les paramètres en exposant pour le sol et je sélectionne la puissance du filtre neutre graduel afin d’équilibrer la luminosité du ciel. Bonne photo !

Pont de roches Portneuf L’emploi d’un filtre neutre diminuant l’entrée de lumière de trois stops m’a permis d’utiliser une vitesse de 25 secondes et ainsi illustrer le tourbillon de feuilles à la surface de l’eau. Sans filtre neutre, la vitesse d’obturation aurait été rapide et les feuilles sur l’eau auraient été figées. 24-70 mm f/2,8 II @ 31 mm ; 25 s, f/22, 100 ISO, filtre neutre (-3 IL), trépied Vanguard Alta pro 283 CT, tête SBH-100, télécommande et niveau.