MATINÉES SCOLAIRES DE L’ORCHESTRE DU CNA Saison 2016-2017
Présentées en association avec
À la recherche du chant perdu
Guide de l’enseignant
De la maternelle à la 6e année
Alexander Shelley, directeur musical Orchestre du CNA
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À la recherche du chant perdu
Table des matières À propos de ce guide
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Attentes du curriculum
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Programme du concert
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Notes de programme
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De quoi se compose l’Orchestre du CNA?
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Disposition de l’Orchestre
13
Activités pédagogiques à faire en classe
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Concerts sur demande de l’Orchestre du CNA
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Guide d’audition
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FRISE CHRONOLOGIQUE de la boîteàmusiqueCNA.ca
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Bibliographie des ressources disponibles à la Bibliothèque publique d’Ottawa
22
Le Centre national des Arts et les artistes
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À savoir avant votre visite
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ÉQUIPE RÉDACTIONNELLE : Texte anglais : Robert Markow Traduction : Anne Tanguay et Laurence Robert Attentes du curriculum : Jane Wamsley Bibliographie : Jessica Roy, Bibliothèque publique d’Ottawa Direction rédactionnelle: Donnie Deacon, Ellen Vollebregt et Sophie Reussner-Pazur, Service de l’Éducation musicale du CNA
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À la recherche du chant perdu
À propos de ce guide Nous avons conçu ce guide de l’enseignant pour vous présenter le programme du concert. Vous y trouverez : les notes de programme expliquant les œuvres que vous entendrez au concert; les notices biographiques du chef d’orchestre et des artistes, et une fiche d’information sur l’Orchestre du CNA; une liste d’activités pédagogiques à faire en classe avec vos élèves. Nous espérons que ce guide de l’enseignant vous aidera à bien préparer vos élèves afin qu’ils profitent pleinement du concert. Nous vous proposons des activités pédagogiques de différents degrés de difficulté. À vous de choisir en fonction du niveau auquel vous enseignez.
Au plaisir de vous voir au concert! Alain Trudel, Premier chef des concerts jeunesse et famille de l’Orchestre du CNA
Pour obtenir de plus amples détails sur l’éducation musicale au CNA, communiquez avec nous.
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Attentes du curriculum Éducation artistique : Musique Les documents Programme d’apprentissage à temps plein du jardin d’enfants et Éducation artistique liés au programme d’enseignement (« curriculum ») de l’Ontario énoncent les attentes générales et spécifiques associées à chaque classe. Les possibilités d’écoute et de réponse aux enregistrements et aux prestations musicales en direct sont aussi abordées. (NOTA : Sauf indication contraire, les attentes ci-après sont adaptées du curriculum anglais de l’Ontario – The Arts.): Jardin d’enfants : Les galeries d’art, théâtres, musées et salles de concert (si disponible) constituent des environnements enrichissants pour des sorties, et pour explorer la collectivité locale et ses ressources. 1re - 3e année : Aux premiers cycles du primaire, les élèves s’initient aux éléments de la musique par le chant et l’écoute, et en bougeant sur un éventail de chansons, de rythmes et de chants. Leurs expériences doivent inclure un assortiment très varié de musiques enregistrées et en direct (…) et ils doivent se familiariser avec l’étiquette dans une salle de concert. 4e - 6e année : Les élèves de la 4e à la 6e année se concentrent sur le développement de leurs capacités de lecture de la notation musicale et sur la mise en application de leur connaissance des éléments de la musique par l’interprétation (en chantant, en bougeant, en jouant d’un instrument), la création et l’écoute (…) et apprennent à formuler une pensée critique sur la musique qu’ils entendent. Attentes générales et spécifiques pour le jardin d’enfants M2. Démontrer des connaissances et habiletés fondamentales acquises par l’exposition à la musique et aux activités musicales; M2.1 Explorer différents éléments de la musique (par ex. le rythme, le timbre, la vitesse, le volume). M4. Exprimer des réponses à différentes formes de musique, y compris les musiques d’autres cultures; M4.1 Exprimer des réponses à la musique en bougeant, en établissant des liens avec leurs propres expériences ou en parlant de la forme musicale. Attentes générales et spécifiques de la 1 re à la 6e année (voir pages 14 à 23) D1. Produire, en chantant et en jouant, des œuvres musicales en appliquant les fondements à l’étude et en suivant le processus de création artistique. D1.2 Composer des formules mélodiques et rythmiques simples. D2. Analyse et appréciation : mettre en application le processus d’analyse critique (Éducation artistique) pour communiquer leurs impressions, leurs idées et leurs conclusions en réponse à différentes musiques et expériences musicales; 1re année : D2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réactions initiales et leurs réponses personnelles à des prestations musicales. D2.2 Décrire les façons dont les éléments de la musique sont utilisés à différentes fins dans la musique qu’ils jouent, écoutent et créent. 2e année : D2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réponses personnelles à des prestations musicales. D2.2 Décrire les façons dont les éléments de la musique sont utilisés à différentes fins dans la musique qu’ils jouent, écoutent et créent. 3e année : D2.1 Exprimer, sous différentes formes, leurs réponses personnelles à des prestations musicales. C2.2 Décrire les façons dont les éléments de la musique sont utilisés dans la musique qu’ils jouent, écoutent et créent. 4e, 5e et 6e année : D2.1 Exprimer en détail, sous différentes formes, leurs réponses personnelles à des prestations musicales. D2.2 Identifier les éléments utilisés dans la musique qu’ils jouent, écoutent et créent, et décrire de quelle façon ils sont employés. (Continue en page 6)
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C3. Exploration des formes et des contextes culturels : Démontrer une compréhension de différents genres et styles musicaux d’hier et d’aujourd’hui, e de leurs contextes socioculturels et historiques. 1ère à 3ͤ année: C3.2 Identifier les éléments 4e année : C3.2 Démontrer, dans l’écoute, une sensibilité aux caractéristiques des formes et des traditions musicales associées à des collectivités, des époques et des lieux différents. 5e année : C3.2 Comparer certains aspects de la musique d’une culture ou d’une période historique donnée avec les aspects correspondants de la musique d’une autre culture ou période historique (par ex., comparer des caractéristiques choisies des musiques de l’ère baroque et de la période classique, en utilisant un diagramme de Venn; rédiger un compte-rendu sur la musique d’une autre société, en comparant cette musique avec une autre qui leur est plus familière). 6e année : C3.2 Comparer certains aspects de la musique d’une culture ou d’une période historique donnée avec les aspects correspondants de la musique d’une autre culture ou période historique (par ex., comparer des caractéristiques choisies des musiques de l’ère baroque et de la période classique, en utilisant un diagramme de Venn; rédiger un compte-rendu sur la musique d’une autre société, en comparant cette musique avec une autre qui leur est plus familière).
Les activités d’apprentissage du présent guide amèneront les élèves à développer leur connaissance des notions de base et éléments de la musique, ainsi que leurs habiletés telles qu’elles sont décrites dans les attentes pour chaque classe, selon la façon dont lesdites activités seront utilisées en préparation et en réponse au concert.
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Programme du concert (sous réserve de modification)
Dates: mardi 4 avril 2017 10 H 00 (anglais) 12 H 30 (français)
Orchestre du CNA Jean-Claude Picard, chef d’orchestre Théâtre Platypus Peter Duschenes, auteur, metteur en scène et comédien Danielle Desormeaux, comédienne Wendy Rockburn, régisseuse
Lieu : Théâtres Centrepointe, 101, chemin Centrepointe, Ottawa Environ 55 minutes sans entr'acte
Œuvres au programme de cette matinée scolaire :
Tous les arrangements musicaux sont l’œuvre de Mario Duschenes BIZET VIVALDI DUSCHENES DUSCHENES DUSCHENES ANONYME BACH MOZART BERLIOZ BRAHMS OFFENBACH DUSCHENES RAVEL RAVEL
Prélude, suite de Carmen « Le Printemps » des Quatre saisons (1er mouvement) Sad Dance Jiminy Cricket I Chant grégorien Tordion ‘Bist du bei mir’, BWV 508 Ouverture du Mariage de Figaro Symphonie Fantastique (5e movement) Berceuse « Galop infernal » d’Orphée aux enfers Smokey Jazz «Pavane de la belle » de Ma mère l’Oye «Le jardin »féerique de Ma mère l’Oye
L’auditoire est invité à chanter le “Chant magique” ! Voir page 14 Texte: Peter Duschenes Mise en scène et conception des marionettes: Peter Duschenes & Meredyth Babcock Production originale de: Michael Duschenes Guide de l’enseignant
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Notes de programme La trame À quoi sert un oiseau s’il ne chante pas? L’oiselle rare et gauche qu’est Gimquat a tellement honte de ne pouvoir chanter qu’elle s’est réfugiée dans un tronc d’arbre où elle se languit et se lamente sur son triste sort. Mais un jour, elle rencontre un magicien qui lui ouvre les portes d’un tout nouveau monde et l’entraîne dans une fantastique odyssée à travers l’espace et le temps, en quête du chant parfait. Partis d’un monastère, ils se rendent à Leipzig (où les spectateurs deviennent un chœur de Jean-Sébastien Bach!) et poursuivent leur périple, qui les mène notamment à Vienne, à Berlin et à la Nouvelle-Orléans. En compagnie de Gimquat, les spectateurs découvrent la musique des diverses époques.
Voici quelques-uns des personnages que nous rencontrerons sur le chemin de ’À la recherche du chant perdu :
Les hommes préhistoriques Imaginez l’époque où, il y a 40 000 ans, les êtres humains vivaient dans des cavernes et subsistaient en chassant des animaux sauvages armés de bâtons et de cailloux. Ces gens ont aussi été les premiers musiciens; ils créaient des instruments de musique très simples en frappant ensemble des cailloux et des bâtons de tailles différentes et en se servant de leur voix pour s’appeler les uns les autres à travers les vastes étendues sauvages qui les séparaient.
Les moines bénédictins Si vous aviez vécu en Europe en l’an 1000, vous auriez pu entendre, en passant devant un monastère, le chant d’une prière (qu’on appelle maintenant chant grégorien) flottant au-dessus des grands murs de l’imposant bâtiment de pierre. Avec la montée de la chrétienté, les monastères sont devenus les principaux centres de musique en Europe. Des hommes appelés moines, qui avaient décidé de consacrer leur vie à Dieu, y chantaient leurs prières plusieurs fois par jour. Ils psalmodiaient tous ensemble, à l’unisson (son unique produit par toutes leurs voix), en baissant peut-être d’un ton à la fin d’une ligne, donnant ainsi à la prière une qualité solennelle et méditative qui les aidait à ne penser qu’à Dieu. Cette forme de musique vocale, peut-être la plus simple que nous connaissions, s’appelle « chant grégorien », car ses règles ont été établies par le pape Grégoire. Elle est à la base de toute la musique occidentale composée depuis lors.
Les troubadours et les ménestrels de l’époque médiévale Entre les années 1000 et 1600, la musique, qui ne sert plus simplement à prier, revêt des formes plus complexes et cesse d’être chantée uniquement sur une ou deux notes. Si vous aviez été des jeunes femmes ou des jeunes hommes de l’époque médiévale et que vous aviez eu à gagner votre vie, vous seriez peut-être devenus des ménestrels ou des troubadours parcourant l’Europe. Vous auriez diverti les foules de villes en chantant de jolies mélodies, vous accompagnant d’un petit tambour ou d’une simple flûte en bois appelée flûte à bec, et en dansant gaiement.
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Jean-Sébastien Bach (1685 - 1750) Musicien exceptionnel issu d’une famille comptant plusieurs générations de génies de la musique, Jean-Sébastien Bach est né en Allemagne en 1685. Il a vécu à l’ère baroque où la musique avait déjà considérablement évoluée. Le chant était devenue beaucoup plus intense et les premiers opéras faisaient leur apparition. La musique instrumentale était aussi beaucoup plus complexe qu’avant et les premiers orchestres étaient formés principalement d’instruments à cordes accompagnés parfois d’une flûte, d’un hautbois, d’un basson ou d’une trompette. Bach a composé énormément pour des rois et des princes, des ducs et des empereurs. Mais sa vie n’a pas été facile : orphelin de mère à neuf ans, il a perdu son père un an plus tard. Marié deux fois, il a eu 20 enfants dont 11 sont morts en bas âge. La musique de Bach est célèbre pour ses longues mélodies pleines d’élégance qu’il tissait adroitement comme un fleuve sans fin aux multiples méandres. Certaines des plus belles œuvres de Bach sont ses suites orchestrales, qui sont en fait des collections de danses. Bach a été le plus grand compositeur de la période baroque et sa musique joue un rôle important dans notre histoire. Alors qu’elle cherche son chant, Gimquat aura besoin de votre aide pendant l’ère baroque et vous devrez chanter un choral de J.-S. Bach. Un choral est un chant tiré d’une œuvre religieuse appelée cantate. Pour plus de renseignements sur la vie, le temps, et la musique de J.S. Bach, branchez-vous sur Artsvivants.ca (Musique, Grands Compositeurs)
Maurice Ravel (1875 - 1937) Maurice Ravel est né le 7 mars 1875 à Ciboure, en France, et est mort le 28 décembre 1937 à Paris. À 14 ans, il est entré comme étudiant au prestigieux Conservatoire de Paris. Il a notamment eu pour maître le compositeur Gabriel Fauré. Ravel est considéré comme l’un des deux plus grands compositeurs de la période impressionniste, avec Claude Debussy. En musique, l’impressionnisme est un style de composition qui privilégie le timbre, l’atmosphère et la fluidité. Ravel a composé des centaines d’œuvres, dont les plus connues sont Boléro, Pavane pour une infante défunte, Tombeau de Couperin et la suite Ma mère l’Oye. L’un des sommets de la carrière de Ravel fut sa collaboration avec l’imprésario russe Serge Diaghilev, directeur des Ballets Russes, pour lesquels il composa son chef-d’œuvre Daphnis et Chloé.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791) Né le 27 janvier 1756 à Salzbourg, en Autriche, Wolfgang Amadeus Mozart maîtrisait de multiples instruments. Le père de Mozart, Leopold, veilla à son éducation musicale. Dès l’âge de six ans, Mozart se produisait en tournée avec sa sœur (Nannerl) et leur père, donnant des concerts dans de nombreuses cours d’Europe. Ces « tournées » furent très éprouvantes pour la famille, car les conditions de voyage étaient pénibles. Les Mozart étaient souvent malades et durent ainsi annuler plusieurs engagements. Pendant un séjour à Rome, le jeune Mozart entendit le Miserere de Gregorio Allegri dans la chapelle Sixtine, et il écrivit toute la partition de mémoire après une seule audition, presque sans erreur! Il est l’un des plus grands compositeurs de l’ère classique qui, en musique, s’étend de 1750 à 1820. Au fil des ans, il fut associé à différents lieux et mécènes un peu partout en Europe, composant des centaines d’œuvres, dont des sonates, des symphonies, des messes, des concertos et des opéras. Mozart mourut prématurément en 1791, à 35 ans.
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De quoi se compose l’Orchestre du CNA?
L’Orchestre regroupe 61 hommes et femmes qui se produisent ensemble sur différents instruments de musique. Ils sont divisés en quatre sections (cordes, vents, cuivres et percussions) mais unis par un but commun : faire de la musique ensemble. Comme vous le savez peut-être, les orchestres n’ont pas tous la même taille. Les ensembles plus petits sont des « orchestres de chambre» (entre 20 et 34 musiciens), et les plus grands, qui comptent entre 60 et 110 musiciens, sont appelés « symphoniques » ou « philharmoniques ». L’Orchestre du CNA est donc un orchestre symphonique, ni trop grand ni trop petit – juste la bonne taille pour vous transporter et vous divertir.
SECTION DES CORDES 20 violons 6 altos (instrument un peu plus gros que le violon)
7 violoncelles (instrument beaucoup plus gros que l’alto)
5 contrebasses
Tous ces instruments, sauf la harpe, ont quatre cordes.
Plus les instruments sont gros, plus leur sonorité est grave. Par exemple, le son du violon est plus aigu que celui de la contrebasse.
Chaque instrument à cordes est fait de pièces de bois collées et vernies avec soin, sans aucun clou ni vis.
(Oh là! C’est deux fois plus gros qu’un violoncelle!)
1 harpe
Le son est produit par le frottement de l’archet sur les cordes. On peut aussi pincer les cordes avec les doigts; c’est ce que l’on appelle le « pizzicato » (terme italien qui signifie « pincé »).
Saviez-vous que l’archet dont on se sert pour jouer d’un instrument à cordes est fabriqué en bois et monté avec du crin de cheval? Guide de l’enseignant
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SECTION DES VENTS 2 flûtes 2 hautbois 2 clarinettes 2 bassons
Saviez-vous que les anches sont fabriquées avec la canne du rotin, que l’on appelle plus communément « bambou »?
These instruments are basically tubes (either wood or metal) pierced with holes. As a musician blows through their tube, they cover different holes with their fingers to produce different notes.
Some wind instruments use a reed to produce sound. A reed is made of thin wood which vibrates against the lips as a musician blows into the instrument to create a sound.
Of the four woodwind instruments of the orchestra, only the flute doesn’t a reed.
require
Clarinets are single reed instruments, whereas oboes and bassoons are doublereed instruments. It means that the oboists and bassoonists use double-reeds against their lips to create a sound.
Most wind instruments are made from wood, like ebony, except for the flute, which is almost always made of silver.
Flutes create the highest notes, bassoons create the lowest.
SECTION DES CUIVRES 2 trompettes 5 cors 3 trombones 1 tuba
Saviez-vous que la plupart des cuivres ont une valve qui permet de laisser couler la salive que produit le musicien en soufflant dans l’instrument?
Les cuivres sont sans aucun doute les instruments les plus sonores de l’Orchestre, ce qui explique que les musiciens qui jouent des cuivres sont moins nombreux que ceux qui jouent des instruments à cordes.
Les cuivres sont faits de longs tuyaux de métal enroulés en boucles de tailles diverses et se terminent par un pavillon en forme de cloche.
Le son est produit par la vibration des lèvres du musicien lorsqu’il souffle dans une embouchure qui ressemble à une petite coupe circulaire.
Les cuivres sont équipés de petits mécanismes – les pistons – qui permettent de modifier le son en changeant la longueur de la colonne d’air à l’intérieur du tuyau chaque fois que le musicien enfonce ou relâche un piston.
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SECTION DES PERCUSSIONS 1 ensemble de timbales 2 percussionnistes qui jouent du xylophone, du marimba, de la caisse claire, des blocs de bois, des cymbales et des tas d’autres instruments qui produisent des sons intéressants.
Saviez-vous qu’une timbale ressemble à un grand chaudron? Mais elle ne sert pas à faire de la soupe!
Les instruments à percussion aident l’orchestre à garder le rythme. Cette famille comprend trois types d’instruments : en métal, en bois et en peau. Ces instruments ont soit une hauteur de son « déterminée » (c’est-à-dire qu’ils peuvent produire les notes de la gamme, comme le xylophone) ou une hauteur de son « indéterminée » (c’est-à-dire qu’ils produisent un son qui n’est pas une note précise; c’est le cas de la caisse claire).
On produit généralement les sons en frappant les instruments à l’aide d’un bâton ou avec les mains. On peut varier la hauteur du son des timbales en modifiant la tension de la membrane, à l’aide des vis fixées à la caisse ou d’une pédale.
Visitez le Labo d’instruments sur Artsvivants.ca (volet musique) et faites l’expérience en ligne de vos instruments préférés!
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Disposition de l’orchestre du CNA trompettes ets nrientte clcalrai
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chef d’orchestre
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Activités pédagogiques à faire en classe ACTIVITÉ nº1: Participation de l’auditoire Le chant magique Ce chant est la clef qui ouvre sur le monde magique de À la recherche du chant perdu. Nous vous invitons à apprendre ce chant avant le concert.
Jus de criquet, griffes et peau d'âne, Huit nids de poule, et boîte à tisane, Envolons-nous dans le temps et l'espace, Ailleurs, très loin, par un tour de passe-passe.
ACTIVITÉ nº2: Analyse et appréciation De mander aux élèves de compléter les phrases suivantes: 1. Je pense que Gimquat n’a pas de chanson à chanter, car… Je crois qu’elle se sent… 2. J’aime chanter lorsque… 3. Quand je chante, je me sens… 4. Voici mon dessin montrant Gimquat lorsqu’elle trouve sa propre chanson et la chante : (l’élève dessine sur une feuille)
ACTIVITÉ nº3: Les instruments de l’Orchestre Initiez les élèves à l’orchestre (Consultez la page 10). Utiliser Artsvivants.ca/Musique/Le labo d'instruments pour explorer les sons, la construction et l’apparence des divers instruments. Programme d’études : 1re et 2e années – Reconnaître les quatre familles d’instruments 3e année – Reconnaître les instruments de la section des percussions 4e année – Reconnaître les vents, les cuivres, les cordes et les percussions 5e année – Classer les instruments de l’orchestre par famille (bois, cuivres, cordes ou percussions) 6e année – Décrire la construction et l’utilisation d’un instrument Guide de l’enseignant
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Branchez-vous sur la
FRISE CHRONOLOGIQUE de la boîteàmusiqueCNA.ca et écoutez des œuvres interprétés par l’Orchestre du CNA!
ACTIVITÉ nº4: Étiquette pendant le concert Discutez des moments où il est approprié de parler (applaudissements, entracte) et des moments où il est préférable de se taire (quand des interprètes parlent ou jouent) lorsqu’on assiste à un spectacle en direct :
dans un théâtre; dans une salle de concert; dans un stade (Exemple : Place Banque Scotia); dans un parc.
Décrivez en détail ce qui se passe pendant un spectacle, depuis l’arrivée dans le hall du lieu de présentation (salle de concert, théâtre, etc.). Exemple : Vous présentez votre billet, vous recevez un exemplaire du programme, le placeur vous dirige vers votre siège, l’orchestre se réchauffe sur la scène, le violon solo monte sur scène (applaudissements) et invite les autres musiciens à accorder leur instrument, le chef d’orchestre monte sur scène (applaudissements) et le concert commence…
ACTIVITÉ nº5: Activité d’après-concert Complétez quatre affirmations parmi les suivantes. Réfléchissez bien avant d’inscrire vos réponses. Gimquat, une oiselle silencieuse qui n’a pas de chanson bien à elle, m’a fait penser à… La musique que nous avons écoutée m’a rappelé… Je ne savais pas que… Je pense que la recherche d’une chanson unique symbolise… Lorsque j’ai l’impression que personne ne m’écoute, je me sens… Afin d’aider les autres à m’écouter et à me respecter, je pourrais… Les personnes qui aimeraient le plus assister à cette présentation sont… parce que.. Pour apprécier le spectacle à sa juste valeur, il faut être capable de…
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ACTIVITÉ nº6: CARTE MUSICALE Dessine sur une feuille des lignes, des formes et des images qui représentent la musique que tu entends! Écoute d’abord un bref extrait afin de choisir la (les) couleur(s) et de griffonner quelques idées au brouillon. La musique te paraît‑elle très organisée ou au contraire chaotique? Comment cela se traduit‑il dans ta carte musicale?
Titre du morceau : Compositeur :
ACTIVITÉ nº7: TECHNIQUE DE RESPIRATION On n’a pas besoin d’être un athlète pour penser à sa technique de respiration! En fait, pour bien parler ou bien chanter, il est très important de savoir respirer. En modifiant votre manière de respirer, vous pourriez même vous sentir mieux et penser plus clairement! Il est facile de savoir comment on se sent lorsqu’on a une bonne technique de respiration. Essayez de mettre en pratique les conseils suivants, dès maintenant ou avant de vous coucher : étendez vous sur le dos et placez vos mains à plat sur votre abdomen. Votre estomac semble se gonfler quand vous inspirez, puis se « vide » quand vous expirez. Cela est dû au fait qu’un grand muscle, le diaphragme, s’étire pour permettre aux poumons de se remplir d’air. 1. Assoyez‑vous ou tenez‑vous bien droit, debout. Imaginez que vous êtes un pantin suspendu à des cordes dont l’une est attachée au sommet de votre tête. Tenez‑vous de manière à ce que votre corps soit le plus grand possible, mais sans sentir de tension. Si vous vous tenez debout, vos pieds devraient être un peu écartés et vos genoux, détendus et légèrement fléchis. Ne raidissez pas les jambes. 2. Faites rouler vos épaules du haut vers l’arrière, puis vers le bas. Ne les soulevez jamais lorsque vous inspirez profondément; cela crée une tension dans les épaules et fait le torse s’étirer. 3. Lorsque vous inspirez profondément, essayez de sentir votre abdomen se gonfler. 4. Essayez d’inspirer par le nez et d’expirer par la bouche. Lorsque vous chantez ou jouez d’un instrument, inspirez et expirez par la bouche.
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ACTIVITÉ nº8: MON JOURNAL D’ÉCOUTE
Date
Compositeur
Décris tes sentiments
Titre du morceau
Quels éléments musicaux remarques-tu ?
Interprète
Consulte le glossaire à la page 20
ACTIVITÉ nº9: COULEURS MUSICALES Distribuez à vos élèves du papier et des crayons de couleur ou des craies de cire. Demandez à chaque élève de s’asseoir tout seul. Tout en écoutant la musique, les élèves dessinent un motif ou font un dessin à l’aide des crayons de couleur ou des craies de cire. Demandez-leur ensuite à quelle est la signification des différentes couleurs qu’ils ont utilisées et pourquoi ils les ont choisies.
ACTIVITÉ nº10: INSTRUCTIONS AUX ENSEIGNANTS Servez‑vous du Journal d’écoute pour les premières expériences d’écoute thématique avec vos élèves, afin de les amener à apprendre le vocabulaire musical. Au commencement, utilisez des extraits musicaux brefs et captivants. Par la suite, servez‑vous du journal d’écoute et du Mini-glossaire pour inscrire les morceaux écoutés et les commentaires à leur sujet. Choisissez dans votre propre discothèque ou à la bibliothèque les morceaux de musique que vous aimez. Utilisez des musiques illustrant des atmosphères contrastantes, différents styles, diverses époques historiques et des horizons culturels différents. En découvrant que l’on peut aimer et respecter des musiques provenant de nombreuses époques et cultures différentes, les élèves comprendront que l’on peut avoir des goûts différents, se montrer tolérant et respectueux et être fier de son propre patrimoine culturel. Vous confierez ensuite à un élève différent la tâche de choisir la « musique du jour », en l'encourageant à apporter de chez lui des musiques que les autres élèves n’ont jamais entendues et qui se prêtent à être écoutées à l’école… afin « d’éveiller » les oreilles de ses camarades. Remettez à un élève le certificat du « Choix le plus original et le plus intéressant de la semaine ». Veillez à ce que les élèves écoutent attentivement et avec respect tous les choix de musique – en gardant le silence pendant l’écoute et en évitant de faire des commentaires négatifs par la suite! Guide de l’enseignant
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ACTIVITÉ nº11: L’ÉPOQUE MÉDIÉVALE Apprendre en silence, en apprendre sur le silence Pour créer, les compositeurs ont besoin de silence. À notre époque, caractérisée par un rythme de vie effréné et l’essor des technologies de pointe, la pollution sonore est omniprésente. Imaginez un monde aussi silencieux qu’au temps où Gimquat n’avait pas encore trouvé son chant! En classe, organisez une Journée des moines! Essayez de comprendre comment et pourquoi les moines des monastères faisaient vœu de pauvreté et même de silence. Ensemble, faites les préparatifs suivants :
Créez un « vœu de silence »
planifiez un repas spécial en classe (gruau; légumineuses et légumes; soupe; pain).
Fixez la durée de la Journée des moines (par exemple, d’une récréation à une autre, en matinée ou toute la journée). Quelles difficultés les élèves devront‑ils surmonter?
Les personnes recourent souvent à la communication orale. Quels moyens de communication silencieux permettent d’exprimer les besoins et les émotions, souvent plus efficacement que la parole? (Contact visuel, langage corporel, gestes, écriture, etc.)
Ensemble, vous pourriez choisir une « pénitence » pour les personnes qui rompront le silence au cours de l’activité.
Activités possibles : Faites vœu de silence.
Essayez de faire un court jeûne. (Exemple : Supprimez l’heure de la collation, car les moines prennent leur premier repas à midi.)
Portez des vêtements simples à la manière des moines (capuchons, tuniques amples, etc.)
Écoutez des chants grégoriens : en pratiquant la méditation et en respirant profondément, les bras croisés, les mains sur les coudes (yoga, autorelaxation, gymnastique intellectuelle); en faisant une activité artistique (pour stimuler l’hémisphère cérébral droit); ou en faisant des mathématiques (pour améliorer la concentration).
Créez un chant grégorien à l’aide des notes (cloches à plusieurs tonalités) « do », « ré » et « mi », ajoutez la note « la » pour hausser le niveau de difficulté… et terminez sur le ré. Pratiquez le solfège ou chantez un mélisme en latin (par exemple, silencium) ou la devise de votre école!
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Guide d’audition TEMPS Est-ce qu’on perçoit une pulsation forte (comme lorsqu’on marche), ou légère (impression de flotter)? Quelle est la vitesse de la musique (tempo) : rapide, (allegro), moyenne (moderato) ou lente (adagio)?
MESURE Les mesures à 2/4, 3/4, 4/4, 6/8 sont les plus courantes. Écoute les temps forts et repère les temps regroupés par 2, 3 ou 4. Essaie de diriger à deux temps (de bas en haut) ou à trois temps (triangle) afin de sentir ce qu’est une mesure à deux temps ou à trois temps.
MÉLODIE La mélodie est‑elle facile à retenir? Est-ce qu’elle fait des grands sauts de haut en bas (intervalle disjoint) ou bien les notes sont-elles rapprochées (intervalle conjoint)? L’articulation de la mélodie est‑elle enchaînée (legato) ou détachée (staccato)?
HARMONIE L’harmonie, c’est lorsqu’on entend plus d’une note en même temps (exemple do + mi+ sol, ou accord I). Quand on chante seul, on chante à l’unisson, pas en harmonie! Les sons combinés ont‑ils une allure moderne, jazz ou plus traditionnelle?
DYNAMIQUE La musique est‑elle animée? Est-ce qu’il y a des passages forts et d’autres plus doux? Les termes musicaux qui s’appliquent sont : pianissimo (pp) – très doux piano (p) – doux mezzo piano/mezzo forte (mp, mf) – assez doux / assez fort forte (f) – fort fortissimo (ff) – très fort
TIMBRE Est-ce que tu peux reconnaître l’instrument qui produit la musique : voix (homme/femme, adulte/enfant), vents, cuivres, cordes, percussion? Guide de l’enseignant
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Écoutez gratuitement en ligne des œuvres de célèbres compositeurs canadiens et d’ailleurs dans la
FRISE CHRONOLOGIQUE de BoiteamusiqueCNA.ca Visitez BoiteamusiqueCNA.ca!
La FRISE CHRONOLOGIQUE de BoiteamusiqueCNA.ca renferme des centaines d’enregistrements musicaux de l’ère baroque à aujourd’hui, et une mine d’information pour les enseignants, les élèves et les mélomanes. Accessible à partir du site Web primé Artsvivants.ca, la FRISE CHRONOLOGIQUE est un outil multimédia qui situe dans leur contexte les œuvres jouées par l’Orchestre du CNA sur un calendrier interactif couvrant 300 ans. Les enseignants y trouveront d’innombrables ressources : plans de leçons prêts à utiliser, liens thématiques, activités pédagogiques, exercices d’écoute et beaucoup plus!
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À la recherche du chant perdu
Bibliographie How The Gimquat Found Her Voice – À la recherche du chant perdu April 4 avril 2017
Simply Fantastic An Introduction to Classical Music Gerhard, Ana Secret Mountain, 2014. 781.17 GERHA
Le chant des oiseaux Initiation à la musique classique Gerhard, Ana La montagne secrète, 2013. 781.17 GERHA
Voices and Singing Ganeri, Anita Smart Apple Media, 2012. 783 GANER
La voix Souton, Dominique Actes Sud junior, 2013. 612.78 SOUTO
When the Beat Was Born DJ Kool Herc and the Creation of Hip Hop Hill, Laban Carrick Roaring Brook Press, 2013. 780.92 DJ-H
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À la recherche du chant perdu
How The Gimquat Found Her Voice – À la recherche du chant perdu April 4 avril 2017 Ludwig van Beethoven Walcker, Yann Gallimard Jeunesse, 1998. 921 B4152W
Johann Sebastian Bach Du Bouchet, Paule Moonlight Pub., 2002. 780.92 BACH-D
Casse-Noisette Raconté par Anne Dorval Alexandre Stanké, 2015. CASSE
Jazz on A Saturday Night Dillon, Leo Blue Sky Press, 2007. 781.65 D579
Swing café Norac, Carl Didier jeunesse, 2009. NORAC
Duke Ellington's Nutcracker Suite Celenza, Anna Harwell Charlesbridge, 2011. CELEN
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À la recherche du chant perdu
Le Centre national des Arts et les artistes
Centre national des Arts du Canada Situé au cœur de la capitale nationale, en face de la place de la Confédération et à deux pas de la colline du Parlement, le Centre national des Arts compte parmi les plus grands complexes des arts de la scène au Canada. Le CNA est le seul centre multidisciplinaire bilingue des arts de la scène en Amérique du Nord, et il dispose d'une des plus grandes scènes du continent. Inauguré officiellement le 2 juin 1969, le Centre national des Arts est l’une des grandes institutions créées par le gouvernement fédéral à l’initiative du premier ministre Lester B. Pearson pour souligner le centenaire de la Confédération. Le motif de l’hexagone a servi d’élément architectural de base pour la construction du CNA, centre par excellence des arts de la scène au Canada. Le Centre national des Arts a été désigné site national historique du Canada en 2013. Conçu par Fred Lebensold (ARCOP Design), l’un des plus grands architectes de salles de spectacle d’Amérique du Nord, l’immeuble est largement considéré comme un fleuron de l’architecture du XX e siècle. Les créateurs du CNA, quoique convaincus par la beauté et le caractère fonctionnel du complexe, estimaient qu’il ne devait pas être qu’une structure de briques et de mortier et qu’il lui fallait, selon les termes de Jean Gascon, ancien directeur du Théâtre français du CNA (1977-1983), « un cœur qui bat ». Un programme visant à exposer des œuvres d'art visuel à l’intérieur de l’immeuble a permis de réunir une des plus remarquables collections permanentes d’art contemporain canadien et international du pays. Cette collection compte quelques commandes spéciales telles que Hommage à RFK (murale) de l’artiste contemporain canadien de renommée mondiale William Ronald, Les Trois Grâces d’Ossip Zadkine, et une grande sculpture de bronze indépendante et sans titre de Charles Daudelin. En 1997, le CNA a accroché sur ses murs, grâce à la collaboration de la Banque d’œuvres d’art du Conseil des Arts du Canada, plus de 130 œuvres d’art contemporain canadien. Le piano préféré de Glenn Gould, son Steinway CD 318, est maintenant exposé en permanence au CNA. Acquis de Bibliothèque et Archives Canada en juin 2012, cet important artéfact culturel s’accompagne d’une exposition consacrée à Gould qui comprend un film primé du cinéaste canadien Peter Raymont intitulé Genius Within: The Inner Life of Glenn Gould. La salle Southam, où se produit l’Orchestre du Centre national des Arts, est équipée du plus grand écran de cinéma du pays et d'un rideau de scène créé par Micheline Beauchemin. Aujourd’hui, le CNA travaille avec d’innombrables artistes du Canada et du monde entier, des plus prometteurs aux plus célèbres, et s’associe à maintes organisations artistiques de partout au pays.
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L’Orchestre du Centre national des arts Ce brillant orchestre possède un riche passé de tournées, d’enregistrements et de commandite d’œuvres canadiennes. L’Orchestre du CNA, dirigé par le célèbre chef d’orchestre, violoncelliste et pianiste Alexander Shelley, s’attire des éloges tant à l’étranger qu’à son domicile d’Ottawa, où il donne plus de 100 concerts chaque année. L’Orchestre du CNA a été fondé en 1969 en tant qu’orchestre résident du Centre national des Arts, qui venait d’ouvrir ses portes, avec Jean-Marie Beaudet au poste de directeur musical et Mario Bernardi comme chef fondateur, puis à la direction musicale de 1971 à 1982. Après les règnes successifs de Franco Mannino (19821987), Gabriel Chmura (1987-1990), Trevor Pinnock (1991-1997) et Pinchas Zukerman (1998-2015). Septembre 2015 marque le début d’une nouvelle ère pour l’Orchestre du Centre national des Arts, avec l’arrivée d’Alexander Shelley au poste de directeur musical de l’ensemble. Alexander Shelley s’attache depuis le tout début de sa carrière à inspirer les musiciens et les auditoires des jeunes générations. En 2014, il a dirigé une grande tournée en Allemagne du Bundesjugendorchester et du Bundesjugendballett. En 2001 il a créé « 440Hz », une série novatrice de concerts faisant appel à des personnalités en vue de la télévision, de la scène et de la musique en Allemagne. Il s’agit d’une initiative majeure qui cadre avec la vision du maestro d’attirer les jeunes adultes dans les salles de concerts.
Alexander Shelley Directeur musical de l’Orchestre du CNA
Né au Royaume-Uni en 1979, M. Shelley s’est d’abord signalé sur la scène internationale en remportant à l’unanimité le Premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. Il a été décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux. Sa technique de direction est sans faille, tout dans son approche est d’une clarté cristalline et s’inscrit dans une musicalité innée. ». Depuis, le maestro Shelley est très sollicité à l’échelle mondiale. L’Orchestre du CNA compte 40 enregistrements et plus de 90 commandes de créations canadiennes à son actif. Aux concerts au CNA s’ajoutent des tournées partout au Canada et à l’étranger. Ateliers de maître, matinées scolaires et répétitions par pupitre témoignent de l’importance accordée à l’éducation. Des trousses pédagogiques sont offertes et le public peut suivre chaque tournée dans des sites Web interactifs, archivés sur Artsvivants.ca.
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Jean-Claude Picard, chef d’orchestre Le chef d’orchestre canadien Jean-Claude Picard s’est signalé sur la scène internationale quand il a remporté le poste très convoité de chef assistant du Royal Scottish National Orchestra (RSNO) en mai 2013, à l’issue d’un processus de recrutement qui avait attiré des candidats du monde entier. Après deux années couronnées de succès dans ce rôle, le RSNO l’a promu au rang de chef associé pour la troisième année de son association avec l’orchestre. Il dirige le RSNO dans près d’une trentaine de prestations chaque année, allant des activités de médiation culturelle aux concerts de la saison régulière. Il est renommé pour l’intensité et le naturel de ses prestations, et tant ses pairs musiciens que les auditoires le dépeignent comme un chef communicatif et attachant. Parmi ses engagements récents et à venir, mentionnons ses concerts avec le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, l’Orchestre symphonique de Québec, l’Orchestre symphonique de la ville de Birmingham, l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada, l’ensemble Manchester Camerata, l’Orchestre symphonique de Toronto, le Royal Scottish National Orchestra, et des productions de Casse-Noisette de Tchaïkovsky et de Cendrillon de Prokofiev avec le Scottish Ballet et le Red Note Ensemble. Il a aussi été invité à diriger l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich, l’Orchestre national de Porto, l’Orchestre symphonique de la Manhattan School of Music et l’Orchestre de la ville de Pärnu dans le cadre de ses études auprès de Neeme Järvi, David Zinman, Jorma Panula, Kurt Masur, Paavo Järvi et Leonid Grin. Jean-Claude Picard a été choisi par Kurt Masur comme lauréat de la prestigieuse bourse Mendelssohn 2013, ce qui lui a permis de recevoir des leçons particulières du maestro à Leipzig en plus d’être invité à diriger l’Orchestre symphonique de Leipzig. Récemment, il a travaillé avec plusieurs solistes de renommée internationale dont Xavier de Maistre, Nicola Benedetti, Ailish Tynan, Boris Giltburg, Karen Cargill, Nicky Spence et Vilde Frang, et il a œuvré comme assistant et substitut de Peter Oundjian, Thomas Søndergård, Neeme Järvi, Valery Gergiev, Sir Roger Norrington, Sir Andrew Davis, Stéphane Denève et Alexander Lazarev. Flûtiste accompli, Jean-Claude Picard a joué avec divers orchestres, dont l’Orchestre philharmonique de Bergen en Norvège, l’Orchestre de la Suisse romande, Les Violons du Roy de Québec, l’Orchestre de chambre de Genève, l’Orchestre métropolitain de Montréal et l’Orchestre de la Francophonie. Il est apparu, à ce titre, dans des salles de concert aussi prestigieuses que le Carnegie Hall de New York, le Royal Concertgebouw d’Amsterdam et le Walt Disney Concert Hall de Los Angeles. Jean-Claude Picard attache beaucoup d’importance à l’enseignement et à l’éducation musicale. Récemment, il a donné plusieurs classes de direction d’orchestre au Royal Conservatoire of Scotland, en plus d’enseigner la flûte au Conservatoire de musique de Genève et, comme professeur invité, au Festival international de flûte du Costa-Rica.
Théâtre Platypus Depuis 1989, près d’un million de jeunes ont été initiés à la musique classique grâce au Théâtre Platypus. Fort de plus de 500 spectacles avec une soixantaine d’orchestres du monde entier, le Théâtre Platypus compte parmi les plus importantes compagnies de théâtre musical éducatif en Amérique du Nord. Ses pièces originales et captivantes, présentées de façon intelligente et interactive, mettent toujours la musique à l’avant-plan. Les enfants rient, chantent et s’identifient aux personnages, tout en apprenant une foule de notions sur la musique. L’une des productions les plus populaires de la compagnie, À la recherche du chant perdu, a été adaptée pour le petit écran en 2006 et a remporté plusieurs prix dont celui de la Meilleure émission pour enfant au prestigieux Banff World Television Festival. En 1991, le Théâtre Platypus a fait l’objet d’un documentaire télédiffusé à l’échelle nationale au réseau CTV, et en 2000, PBS diffusait intégralement l’une de ses productions. Pour son 25e anniversaire, la compagnie présente en première sa huitième production originale, Presto Mambo, en partenariat avec quatre orchestres de différentes régions du Canada. Parmi ses autres productions, on retrouve Émilie à la rescousse de l’orchestre, Des rebuts et des rythmes, Bach to the Future, Charlotte et le marchand de musique, Flicker of Light on a Winter’s Night et Pierre et le loup. Pour plus de détails, veuillez consulter www.platypustheatre.com
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Peter Duschenes, auteur, metteur en scène, comédien Des milliers de jeunes amoureux de la musique classique peuvent remercier Peter Duschenes de les avoir initiés à la musique symphonique. En 1989, il fonde avec son frère le Théâtre Platypus, une compagnie de tournée qui s’attache à rendre la musique orchestrale accessible aux jeunes. Plus d’un demi-million d’amateurs de concerts ont bénéficié de sa créativité. Auteur primé, Peter Duschenes a signé notamment les huit productions du Théâtre Platypus, l’adaptation pour le petit écran du spectacle À la recherche du chant perdu, qui a remporté le prix de la Meilleure émission pour enfant au prestigieux Banff World Television Festival en 2008. En plus de ses rôles dans les spectacles de la compagnie, il a joué et a été metteur en scène pour plusieurs compagnies au Canada et aux États-Unis. Lorsqu’il n’est pas occupé à aider Gimquat à retrouver son chant, il s’active, avec sa femme, à aider leurs enfants Magda et Theo à retrouver leurs chaussettes.
Danielle Desormeaux, actrice Danielle est l’une des créatures les plus polyvalentes de la troupe du Théâtre Platypus. Elle a notamment incarné Gimquat dans À la recherche du chant perdu, Corky dans Bach to the Future, Émilie dans Émilie à la rescousse de l’orchestre et une sans-abri dans Rhythm in Your Rubbish, une production qu’elle a aidé à monter. Comédienne très accomplie, elle a joué de nombreux rôles sur scène et au grand écran, en plus de prêter sa voix à plusieurs personnages de séries télévisées. Improvisatrice et clown d’expérience, elle a écrit et créé de nombreuses pièces saluées par la critique. Danielle fait partie de la compagnie de tournée du Théâtre Platypus depuis maintenant 17 ans, mais elle n’oubliera jamais la première fois qu’elle a partagé la scène avec un orchestre : « Ça m’a littéralement coupé le souffle. J’ai été frappée par la puissance du son de l’ensemble. Je me suis dit : Wow, quelle job de rêve! »
Wendy Rockburn, régisseuse Si vous voulez savoir qui et quoi s’en va où, quand et comment, Wendy est la personne la mieux placée pour vous renseigner. Depuis 2005, elle a posé son regard aiguisé sur les moindres détails des productions du Théâtre Platypus, depuis les têtes de monstres jusqu’aux changements d’éclairages. En plus d’assurer la régie de scène de tous les spectacles de tournée du Platypus, elle collabore avec plusieurs autres théâtres de l’est et du centre du Canada. Et chaque fois qu’elle le peut, elle s’envole vers des pays lointains pour photographier le monde, en chute libre au-dessus du désert de Namibie ou sur les traces d’un gaucho en Argentine. L’aspect des spectacles du Platypus qui la réjouit le plus est de voir les enfants captivés par l’histoire qu’on leur raconte. Et le dénouement d’À la recherche du chant perdu l’émeut encore aux larmes, même après tant d’années. Ce n’est pas pour rien que nous sommes fous de Wendy!
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À savoir avant votre visite Étiquette Nous sommes conscients que vos élèves n’ont pas tous la même expérience en matière de sorties culturelles (certains en sont à leur premier spectacle, d’autres en ont vu plusieurs) et nous vous invitons à lire attentivement les directive ci-dessous afin que vous puissiez tous vivre une expérience des plus agréables.
Arrivez tôt Nous vous prions d’arriver au moins 30 minutes à l’avance pour les matinées de l’Orchestre.
Soyez respectueux!
Code vestimentaire : vous pouvez suivre le code vestimentaire en vigueur à votre école.
Silence! – échangez vos commentaires après la représentation.
Il est interdit d’apporter de la nourriture et des breuvages dans la salle de spectacle. Nous vous prions de ne pas sortir ou entrer dans la salle durant la représentation afin de ne pas déranger les interprètes et les spectateurs. Les va-et-vient ruinent la magie du spectacle! Il est strictement interdit d’apporter des téléphones, des appareils photo ou des iPods dans la salle, ainsi que d’envoyer des messages texte, d’écouter de la musique ou d’enregistrer le spectacle.
Exprimez-vous! Lors d’un spectacle de musique, regardez les musiciens pour savoir à quel moment applaudir. Lorsque le chef d’orchestre se tourne et fait face aux spectateurs, cela signifie que les musiciens ont terminé et que vous pouvez applaudir.
Amusez-vous! Les artistes puisent leur énergie dans l’interaction qui s’établit entre eux et le public. Alors amusez-vous bien, profitez du moment et laissez-vous porter par l’aventure! Les arts de la scène nous permettent de découvrir d’autres points de vue et d’apprendre des choses nouvelles sur nous-mêmes et sur les autres. Chaque spectateur ressent à sa façon ce qui se déroule devant lui : il faut savoir respecter cette démarche d’exploration, tant chez soi que chez les autres.
Les enseignants et les surveillants doivent rester en compagnie des élèves en tout temps. Lors des matinées scolaires, les élèves devront partager la salle avec un public adulte. Pour de plus amples renseignements sur le contenu d’un spectacle, veuillez communiquer avec le coordonnateur de l’éducation et du rayonnement du département.
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